Por José Belló Aliaga

En nuestro reciente viaje a Santander, naturalmente hemos visitado el emblemático Centro Botín, donde se exhiben tres exposiciones, una permanente y dos temporales, y queremos expresar nuestro agradecimiento a María Cagigas Gandarillas, Directora de Comunicación, por su amabilidad y gentileza que nos ha permitido la realización de estos reportajes.

Nos referimos ahora a la exposición temporal “Marisol” : cuando todo está por comenzar, la primera retrospectiva de dibujos de la artista.

●        Figura central de la escena Neoyorkina de los 60, alcanzó una temprana visibilidad —incluso antes que Andy Warhol—, apareciendo su trabajo publicado en Life, Glamour y The New York Times, así como mostrándose en grandes citas internacionales como la Bienal de Venecia y Documenta IV, en 1968.

●        Como parte del compromiso de la Fundación Botín con la investigación  curatorial y académica en las prácticas de dibujo, esta exposición cuenta con más de un centenar de obras sobre papel, junto con una selección de esculturas, además de películas y materiales de archivo que permiten rastrear sus inquietudes, reflexiones sociales y ficciones imaginativas. 

●        Comisariada por la Dr. Laura Vallés Vilchéz, esta exposición responde a una colaboración con el Buffalo AKG Art Museum; coproducida por la Fundación Botín y MAC/CCB-Museu de Arte Contemporáneo y Centro de Arquitectura / Centro Cultural de Belém, Lisboa.

●        A esta exposición le acompaña una publicación, coeditada con La Fábrica y diseñada por Filiep Tacq, que incluye textos de la historiadora del arte y curadora venezolano-británica Cecilia Fajardo-Hill; Helena Lugo, investigadora y comisaria mexicana, y Helena Vilalta, doctora e historiadora del arte, así como un ensayo de la propia comisaria que demuestra la potencialidad emancipadora de la obra dibujada de Marisol.

La exposición

Hasta el 25 octubre de 2026, podrá visitarse en el Centro Botín la exposición  Marisol: Cuando todo está por comenzar, la primera retrospectiva dedicada a los dibujos de Marisol, que incluye su obra dibujada desde 1949 hasta el final de su vida, junto a esculturas, grabados, fotografías, películas y documentos procedente en su gran mayoría de la colección del Buffalo AKG Art Museum, una ambiciosa selección que permitirá observar cómo su obra circuló públicamente.

Marisol Escobar

Marisol Escobar (París, 1930 – Nueva York, 2016), conocida simplemente como Marisol, fue una figura central de la escena neoyorquina de los años sesenta. Sus esculturas —figuras de madera a tamaño natural, retratos de personajes públicos, escenas familiares y sociales— la situaron en el centro de una cultura visual que empezaba a pensar el arte en relación con los medios, la política y la vida cotidiana.

Nacida en una familia venezolana y formada entre Caracas, Los Ángeles y Nueva York, su trabajo estuvo atravesado desde el principio por el desplazamiento entre lenguas, contextos e identidades. Marisol alcanzó una temprana visibilidad, incluso antes que Andy Warhol, apareciendo su trabajo publicado en Life, Glamour y The New York Times, así como mostrándose en grandes citas internacionales como la Bienal de Venecia y Documenta IV, en 1968.

Aunque la escultura fue el medio que le dio reconocimiento internacional, la práctica que la acompañó toda su vida fue el dibujo, y el Centro Botín propone acercarse a su investigación y trabajo con la primera retrospectiva de su obra dibujada. Más que un medio preparatorio, el dibujo fue para ella un lugar donde observar, repetir y dudar. A lo largo de cinco décadas, Marisol utilizó su propio rostro, trabajó con moldes del cuerpo, convirtió manos y perfiles en signos repetibles y exploró la relación entre retrato, archivo y escena pública. En sus dibujos la identidad aparece como una imagen cambiante: a veces rostro, a veces máscara, a veces huella y a veces escena compartida.

Esta exposición no sigue una trayectoria lineal, sino que se organiza en tres movimientos, evocados en el título de la exposición, en los que Marisol decide «escapar» del mundo del arte. Primero, ante la rapidez con la que llega la fama cuando, tras su primera exposición individual y en un momento de creciente reconocimiento público, Marisol se marcha a Europa, inaugurando así el primero de estos desplazamientos. Su galerista Leo Castelli le escribió entonces, sorprendido: «¿Cómo te puedes ir, cuando todo está por comenzar?».  Después, a medida que la violencia de la guerra de Vietnam se hace visible, Marisol decide viajar al sudeste asiático, interrumpiendo su presencia en la escena artística en un momento de máxima visibilidad. Y, finalmente, se da otra forma de escape cuando la enfermedad del alzhéimer altera su relación entre voluntad y recuerdo, mientras el dibujo permanece.

Recorrido por la exposición

El recorrido comienza con una película rodada por Andy Warhol, de la colección del Museo Andy Warhol, que muestra a Marisol en Nueva York a comienzos de los años sesenta, en un momento en el que su trabajo empezaba a recibir una gran atención pública. Warhol, con quien en 1962 entabló una estrecha amistad, la filmó junto a su escultura Women and Dog (1963–64), hoy en la colección del Whitney Museum of American Art. En ella, durante varios minutos la artista permanece casi inmóvil, situada a la misma escala que las figuras talladas en madera.

Recorrido por la exposición MARISOL, en el Centro Botín de Santander, primera planta, hasta el 26 de octubre de 2026

Sala 1

Marisol pasó su infancia entre Caracas y Estados Unidos antes de instalarse en Los Ángeles, en 1946. En esos años, marcados por el desplazamiento y la pérdida temprana de su madre, el dibujo se convirtió en una práctica constante y en un espacio de observación silenciosa.

Durante su formación en colegios católicos y en academias de arte -como el Otis Art Institute y el Jepson Art Institute- aprendió a copiar imágenes con precisión y paciencia. Poco después, como ilustradora del anuario escolar en la Westlake School for Girls -incluido en esta sala- comenzó a dibujar no solo a las personas que la rodeaban, sino también las estructuras sociales que organizaban su entorno. En el centro de este espacio se presenta un cuaderno de bocetos, realizado entre 1958 y 1960, que Marisol conservó en su estudio durante toda su vida. En estos dibujos, las figuras femeninas se duplican, se alinean o se transforman en bloques de color acompañados por palabras breves.

Sala 2

A mediados de los años cincuenta, la obra de Marisol empieza a entrar en la escena artística de Nueva York. Esta sala reúne dibujos realizados en esos años junto a una obra clave del período: Triumph (1959), una estructura vertical de figuras acrobáticas superpuestas que parece sostenerse en un equilibrio inestable. Los dibujos presentes, realizados con lápiz, bolígrafo o grafito durante su formación en escuelas como la Art Students League o en el entorno de Hans Hofmann, muestran un interés constante por la presencia humana. Aparecen perfiles, manos, torsos y rostros organizados en composiciones en las que el cuerpo empieza a funcionar como un conjunto satírico de retratos móviles. También se presenta aquí Untitled (1960), de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde multitud de formas aparecen, se transforman y se mezclan entre sí. 

En el centro del espacio, las herramientas de trabajo y los materiales de archivo documentan el momento en el que su obra empieza a circular públicamente: fotografías, artículos de prensa y el cartel de su primera exposición individual en la galería Leo Castelli, en 1957.  Fue precisamente entonces, en el verano de 1958, cuando su fama empezaba a consolidarse, que Marisol decidió marcharse a Europa y el galerista le escribió una carta con la frase que da título a la exposición: «¿Cómo te puedes ir, cuando todo está por comenzar?»

Sala 3

En los años sesenta, a su regreso de Europa, la imagen de Marisol comienza a circular ampliamente en la escena artística de Nueva York. Sus exposiciones en la Stable Gallery la sitúan en el centro de la cultura visual del momento, mientras revistas como Life, Vogue o Look publican fotografías de la artista junto a sus esculturas, ampliando su presencia más allá del espacio del museo. En esos mismos años inicia una estrecha amistad con Andy Warhol. Las películas que se proyectan en esta sala, provenientes de la colección del Museo Andy Warhol, permiten observar un momento compartido de experimentación en torno al retrato y a la construcción pública de la imagen.  

Durante estos mismos años comienza a trabajar con moldes de su propio rostro y de sus manos en sus esculturas. Ejemplo de ello es el estudio en bronce para Mi mamá y yo (1968), escultura que conservó toda su vida. El uso del molde introduce una nueva condición: el cuerpo puede repetirse y reorganizarse dentro de una misma imagen. En este contexto se presenta Indian (1969), una escultura que incorpora su propio rostro en una imagen asociada a la iconografía comercial del llamado cigar store Indian, tradicionalmente situada a la entrada de estancos en Estados Unidos. La obra genera preguntas sobre el estereotipo y los límites de la representación.

En 1968, en un momento marcado por las protestas contra la guerra de Vietnam, el activismo indígena y los movimientos por los derechos civiles en Estados Unidos, Marisol decide viajar al sudeste asiático, interrumpiendo por segunda vez su presencia en la escena artística en un momento de máxima visibilidad.

Sala 4

A comienzos de los años setenta, tras sus viajes por el sudeste asiático y Polinesia, los dibujos de Marisol experimentan un cambio visible. El color se vuelve más intenso, los contrastes aumentan y las palabras aparecen con mayor claridad dentro de las imágenes. Esto coincide con un momento de fuerte transformación social y política: las protestas contra la guerra de Vietnam, los movimientos por los derechos civiles y los debates feministas que cuestionaban las formas de representación y las relaciones de poder en la vida cotidiana.

En los dibujos dispuestos en esta sala, la imagen se activa: manos que se acercan, bocas que hablan, armas que irrumpen, palabras que intervienen. Destaca Get Away from My Fish (1975), un dibujo presente en la exposición que Marisol presentó en la Sidney Janis Gallery, donde un personaje cabalga un pez gigantesco mientras grita la frase que da título a la obra. Entre humor y desafío, la escena puede leerse como una afirmación de independencia frente a las expectativas sobre su trabajo.

En esta sala también se reúnen obras que continúan uno de los aspectos más complejos de la práctica de Marisol: su relación con las imágenes históricas de los pueblos indígenas en la cultura visual occidental. En piezas como Chief Joseph (ca. 1974–1980) y Cultural Head (1973), la cabeza aparece a la vez como retrato y como imagen histórica reproducida muchas veces. En la escultura Woman with Child and Two Lambs (1995), Marisol trabaja a partir de una fotografía de la artista Laura Gilpin, desplazando la imagen etnográfica hacia una presencia escultórica contenida y material. La obra forma parte de un conjunto realizado tras su participación en la Exposición Universal de Sevilla (1992), donde Marisol entró en contacto con una delegación de representantes nativoamericanos invitada en el contexto del quinto centenario de 1492.

Sala 5

Las estampas reunidas en esta sala presentan manos, extremidades y fragmentos del cuerpo que se mezclan con formas vegetales y orgánicas. Este cambio coincide con el momento en que Marisol intensifica su trabajo en el campo del grabado. Desde mediados de los años sesenta, su colaboración con el taller Universal Limited Art Editions (ULAE) le permite explorar la estampa como un medio basado en la repetición. En la serie Sign Language (1961–1973), las manos dejan de ser solo fragmentos anatómicos para convertirse en gestos que remiten a un sistema de lectura.

A partir de los años setenta, la atención de la artista se extiende también al espacio escénico. El dibujo deja de organizar únicamente superficies de papel y comienza a intervenir en el movimiento de los bailarines, en el vestuario y en la relación entre los intérpretes en escena. La colaboración con la coreógrafa Martha Graham en Ecuatorial (1978) muestra este desplazamiento.

Sala 6

A comienzos de los años setenta, el océano empieza a ocupar un lugar importante en la práctica de Marisol. Tras participar en la Bienal de Venecia en 1968, la artista emprendió un largo viaje por la India y Tailandia. Poco después viajó a Tahití, donde aprendió a bucear y comenzó a filmar bajo el agua. Las películas en 8 mm realizadas a finales de los años setenta recogen fragmentos de esas inmersiones: peces que atraviesan el encuadre, zonas de luz difusa y partículas suspendidas en el agua.

Al mismo tiempo, esculturas como Triggerfish I (1970) y los dibujos reunidos en esta sala muestran cómo estas observaciones se transforman en formas. Peces, criaturas híbridas y cuerpos anfibios aparecen estilizados hasta adquirir una presencia ambigua: pueden recordar organismos marinos, pero también objetos técnicos o artefactos mecánicos. En ese cruce entre naturaleza y tecnología aparece una inquietud característica de la época, marcada tanto por la exploración científica del océano como por su uso estratégico durante la Guerra Fría y por la expansión de nuevas tecnologías de observación submarina.

Galería 7

Timeline Marisol (1930–2016) – Anexo

Galería 8

Hacia el final de su vida, la práctica de Marisol cambia de ritmo. La enfermedad del alzhéimer altera la memoria y el lenguaje, pero no interrumpe el dibujo. En las obras tardías, realizadas entre 2006 y los últimos años de su vida hasta su fallecimiento en 2016, la línea sigue siendo una forma de seguir mirando y de seguir haciendo imágenes. El retrato a lápiz de una persona que podría ser su cuidadora, realizado en 2006, introduce una presencia cercana que acompaña en silencio el final del recorrido. Después de héroes, máscaras, personajes públicos y monumentos, aparece una presencia ligada a la vida cotidiana y al cuidado compartido.

Al inicio de la sala, Self-Portrait with Hair (1981) devuelve la exposición a uno de los motivos constantes en la obra de Marisol: el rostro como imagen cambiante. Si a lo largo del recorrido su trabajo exploró la identidad como máscara, huella o representación pública, en estas obras finales la pregunta se desplaza hacia otra zona: cómo seguir dibujando cuando la memoria se vuelve frágil.

Anexo – Galería 7: Timeline Marisol (1930–2016)

1930 — Nace en París como María Sol Escobar, en el seno de una familia venezolana.

1935 — La familia regresa a Venezuela y alterna estancias entre Caracas y Estados Unidos. Marisol comienza a dibujar en la infancia, práctica que le acompañará toda su vida. Durante estos años entra en contacto con cómics estadounidenses y publicaciones ilustradas mexicanas. También visita con su madre al artista Armando Reverón, en Macuto.

1940–41 — Estudia en la Foxwood School (Nueva York) y en el colegio San José de Tarbes (Caracas).

1941 — El suicidio de su madre marca profundamente su vida; desde entonces reduce el habla durante varios años.

1945 — Comienza a firmar como Marisol Escobar; más adelante utilizará solo «Marisol».

1946 — Se traslada con su familia a Los Ángeles y estudia dibujo en el Otis Art Institute y el Jepson Art Institute.

1948 — Realiza acuarelas e ilustraciones para el anuario escolar de Westlake School for Girls.

1949 — Viaja a París y estudia en la École des Beaux-Arts y la Académie Julian.

1950 — Se instala en Nueva York.

1951–54 — Estudia en la Art Students League, Hans Hofmann School, Brooklyn Museum School y New School for Social Research. En estos años entra en contacto con la escultura precolombina, que tendrá una presencia sostenida en su manera de pensar la forma, y con debates cercanos al surrealismo.

1955 — Realiza The Hungarians, una de sus primeras esculturas con objetos encontrados.

1957 — Primera exposición individual en la Leo Castelli Gallery (Nueva York).

1958–60 — Realiza un cuaderno de dibujos que conserva durante décadas en su estudio.

1958 — Aparece en la revista Life. Poco después viaja a Roma.

1960 — Regresa a Nueva York tras su estancia en Europa.

Primeros años sesenta — Realiza obras como The Generals, The Family, The Kennedy Family, Mona Lisa y The Party.

1961 — Participa en The Art of Assemblage (MoMA).

1962 — Conoce a Andy Warhol.

1963 — Participa en Americans 1963 (MoMA).

1964 — Comienza a trabajar con Universal Limited Art Editions (ULAE).

1968 — Representa a Venezuela en la Bienal de Venecia y participa en documenta IV (Kassel).

1968–69 — Viaja por India y Tailandia.

1970–72 — Realiza litografías y grabados vinculados a sus viajes por Asia y el Pacífico.

1972 — Monumento a Simón Bolívar en Caracas.

1973 — Exposición Marisol Prints 1961–1973 (New York Cultural Center; después en Espacio Actual, Caracas).

1975 — Exposición en Sidney Janis Gallery con esculturas de autorretrato y dibujos de gran formato. Durante esta década colabora con coreógrafos como Louis Falco y Martha Graham.

1981 — Exposición Artists & Artistes by Marisol (Sidney Janis Gallery). Ese mismo año posa para un retrato de Alice Neel.

1983 — Recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas de Venezuela. Escribe su «Statement of Drawing».

1984 — Presenta Self-Portrait Looking at the Last Supper (1982–84). Diseña escenografía para Elisa Monte.

1985–88 — Recibe el premio Excellence in Design (Nueva York) y el Doctorado Honoris Causa del Rhode Island School of Design.

1987 — Realiza Boy with Empty Bowl.

1989 — Exposición en Sidney Janis Gallery dedicada a familias latinoamericanas.

1991 — Exposición Magical Mixtures: Marisol Portrait Sculpture (National Portrait Gallery). También Realiza el American Merchant Mariners’ Memorial.

1992 — Participa en la Exposición Universal de Sevilla; inicia una serie basada en fotografías históricas de indígenas estadounidenses.

1995 — Gran retrospectiva en el Hakone Open-Air Museum (Japón).

1998 — Última exposición individual en Marlborough Gallery.

2006–13 — Continúa dibujando tras ser diagnosticada con Alzheimer.

2014 — El Memphis Brooks Museum of Art organiza la mayor exposición de su obra hasta la fecha.

2016 — Muere en Nueva York, el 30 de abril. Legó su archivo, biblioteca, obras y su apartamento al Buffalo AKG Art Museum.

Centro Botín

El Centro Botín, obra del arquitecto Renzo Piano, es el proyecto más importante de la Fundación Botín. Un centro de arte internacional que aporta una mirada nueva al mundo del arte, cuya misión social es potenciar la creatividad de todos sus visitantes a través de las artes para generar desarrollo humano: económico, social y cultural. Cuenta con un ambicioso programa expositivo compuesto por presentaciones, tanto individuales como colectivas, de artistas internacionales y becarios de la Fundación Botín. Su programa formativo, que se sustenta sobre la investigación desarrollada desde hace más de 12 años junto al Centro de Inteligencia Emocional de la Universidad de Yale, está compuesto por actividades artísticas y culturales que despiertan la curiosidad, imaginación y creatividad de todos los públicos, animándolos al juego y al aprendizaje a través de las artes. Además, el Centro Botín es parte de la vida diaria de los ciudadanos y contribuye a fortalecer el tejido social y cultural local. Un lugar de encuentro que con arte, música, cine, teatro, literatura y danza dinamiza la vida de la ciudad.

José Belló Aliaga